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Andy Warhol: entre a cruz e a espada

Postado por Vinícius Farias em 23/10/2012
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Estive lendo um interessante texto no blog  Bad Catholic sobre a vida controversa do ícone da pop art Wandy Warhol.  O texto mostra dois lados de Warhol que, apesar de eu gostar muito de arte, desconhecia: um que ele era gay e outro que ele tentou, na medida do possível, ser coerente com a doutrina católica sobre a homossexualidade.

Não podemos nos enganar, muitos trabalhos de Warhol eram explicitamente pornográficos e por meio deles ele fez muita propaganda da cultura gay. Ainda assim, é interessante notar interiormente o artista vivia num campo de batalha. Warhol parecia querer com todas as suas forças seguir os preceitos da religião que lhe preenchia, mas sua pessoa se fez publicamente não por isso, mas pelas vezes em que deixava a peteca cair, ou seja, que serviu de propagandista do movimento gay pelo mundo. O texto que se segue não é uma tentativa de abonar a conduta e a biografia de Warhol, mas para que todos os cristãos possam deixar Deus tornar-se o vencedor na briga de gigantes duelam dentro de cada um:

Warhol deliberadamente escondia quem era para o público – ele era conhecido por responder as perguntas com “uh, não” ou “uh, sim” – e ele certamente escondia o fato de que usava um crucifixo numa corrente em seu pescoço, que carregava um missal, um rosário e que era voluntário na pastoral da sopa na Igreja do Repouso Eterno em Nova Iorque. Ele ia à missa – frequentemente à missa diária – sentando-se ao fundo, sem ser notado, desajeitadamente embaraçado pelo fato de alguém perceber que ele fazia o sinal da cruz “à maneira ortodoxa” (do ombro direito para o esquerdo em vez do esquerdo para o direito). Ele financiou os estudos de seu sobrinho para o sacerdócio e, de acordo com sua elegia, foi responsável pela conversão de pelo menos uma pessoa ao catolicismo.

Ele pintou, filmou e fotografou o obsceno, o homoerótico, o impudico e o lascivo, mas nunca se engajou seriamente nisso, dizendo sempre sobre si mesmo que “depois dos 25 você deve olhar, mas nunca tocar”. Como lembrou o historiador de arte John Richardson: “Para mim Andy parecia de outro mundo, quase como um sacerdote em sua habilidade de permanecer desligado dos extravagantes animadinhos, garotos de couro e drag queens que ele atraia…Andy nasceu com uma inocência e uma humildade que era impregnável – sua espiritualidade eslava como o Santo Tolo russo, o simplório cuja quase divina inocência o protegia contra um mundo hostil”. Enquanto A Fábrica – lugar em que ele trabalhava e base da comunidade avant-garde – mergulhava na devassidão até altas horas, Warhol vergonhosamente preferia se recolher às 10 da noite para dormir.

O fato de a sua compreensão de natureza amoral na arte seja de certo modo dispensável não é importante nesse momento. Eu seria um todo se eu fizesse dele um santo – é difícil tratar de pessoas que flertam com cocaína sobre o calendário – mas eu seria um grande tolo se eu fizesse de Warhol, por outro lado, um pecador orgulhoso.

Para a Igreja que Andy Warhol amava não significava que que seria um pecado ser gay, carregar consigo a atração por pessoas do mesmo sexo. A Igreja Católica ensina que os atos homossexuais vão contra a natureza humana e são, portanto pecaminosos. O fato de Andy Warhol ser abertamente gay (ele menciona que “sempre se divertiu muito com isso – só reparando na expressão das pessoas…) e ao mesmo tempo um celibatário convicto, parece representar uma certa paz sobre o homem, uma separação racional entre a atração homossexual sem culpa e o ato homossexual pecaminoso. Significava também um esforço para estar em comunhão com a Igreja Católica. Se há um fato condenável da perspectiva católica, foi unicamente o fato de ele ter levado outras pessoas ao erro, aqueles que não sabiam que ele era convictamente um celibatário.


A Última Ceia, 1986

Atualmente o problema da arte sacra é um problema de falta de amor

Postado por Vinícius Farias em 24/09/2012
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“Tudo vem do amor; tudo está ordenado para a salvação do homem~; Deus não faz nada sem um objetivo em mente”. (Santa Catarina de Siena)

Nos últimos anos a arte tornou-se um caminho fundamental para o meu encontro com Deus. Uma bela obra de arte, assim como uma poesia bem elaborada chamam atenção porque refletem três dons bem aproveitados: esforço, criatividade e talento. Quando a técnica envolve esses três dons temos uma verdadeira obra-prima diante de nós.

Há, no entanto, um tipo de arte que transcende as demais: a arte sacra. Ela transcende porque está impulsionada  pelo amor. Não qualquer amor, mas um amor infinito em intensidade, profundidade e completude. Quando alguém ama uma bela mulher e resolve fazer uma poesia em sua honra, é possível que, caso sejam empenhadas as três qualidades ditas acima, aquela poesia se torne um clássico mundial. Isso acontece porque todo o seu amor e devoção transpiram e escorrem naquelas três qualidades, impulsionando-as. Por outro lado, quando o amor do artista por Deus o leva a realizar uma obra em honra do seu amado, acontece uma coisa estranha. Depois que a obra é terminada, aquele objeto de louvor se como que fica envolvido por um poder especial e contagioso. É como se esse poder fosse um copo a transmitir para outros copos uma porção daquele amor que liga Deus ao artista e artista à Deus. Isso não acontece com uma obra-prima como a “Mona Lisa”. Sim, é maravilhosa. Talvez a mais maravilhosa do mundo, mas não passamos a amar La Gioconda histórica só por ver o quadro.

Nesse mesmo contexto de coisas especiais e estranhas que a arte sacra inspira, pensemos na construções das grandes catedrais europeias. Gerações e gerações de artistas, trabalhadores braçais e doadores passam sem que uma catedral seja enfim concluída. Alguns só têm a sorte de ver as fundações – nada mais. Como  é possível que artistas diferentes, trabalhadores diferentes, técnicas diferentes, estilos diferentes, épocas diferentes, autoridades religiosas diferentes, resultassem numa catedral harmônica e coesa? Com tanta diversidade assim não seria difícil que dali não saísse mais que uma Torre de Babel.

Vejamos um exemplo prático: a catedral de Colônia na Alemanha. No decorrer dos 600 anos que foi construída tanta coisa mudou…até mesmo a religião que impulsionou sua edificação. No entanto, à época que fora finalizada, tornou-se o edifício mais alto do mundo. Outra pergunta que cabe aqui é: como aqueles humildes carregadores de pedras poderiam prever que o seu trabalho seria um dia concluído? Não sabia. É um jogo no escuro. Depende da fé. Outra pergunta ainda mais instigante: como os arquitetos poderiam prever que as fundações seriam fortes o suficiente para suportar as atuais duas torres de 157 metros de altura cada? Não poderiam. De novo depende da fé.

Hoje em dia os homens pós-modernos possuem grande dificuldade em acreditar – ainda que sejam formados para transmitir a fé – nominalmente o clero em geral. Nossas igrejas atuais são quase sempre feitas como obras públicas de governos quadrianuais: baratas, simples, lisas, rápidas, de má qualidade. A justificativa que se dá é não raro que “o povo não tem dinheiro”, chegando a ser incrivelmente absurda se pensarmos nas condições precárias das comunidades medievais que erigiram as primeiras grandes catedrais. O problema de hoje não está na arte, mas no amor. Se é verdade, como dissemos, que o amor depositado numa obra sacra é capaz de fazer irradiar e transmitir amor aos outros, por que vemos tão pouca obra sacra dentro das igrejas? Eu digo pouca porque não consigo considerar uma imagem de gesso, made in Taiwan, de Maria com o olho torto e os cabelos de azul, por causa de uma tinta escorrida do manto uma obra sacra. Ali há uma alusão ao sagrado que certamente nos leva a rezar, mas falta aquela característica que nos faz amar ainda mais Aquele que se esconde por trás na imagem.

Outra coisa interessante, ainda a respeito da catedral de Colônia é que durante a Segunda Guerra Mundial a catedral recém concluída (1880) sofreu um ataque de 14 bombas aéreas, permanecendo firme, rígida, forte como uma testemunha do poder de Deus sobre a maldade e o ódio. Lembrando ainda que aquela catedral não fora feita para inglês ver, mas para Deus ver. E para Deus nós damos o melhor. Tudo é dotado de amor e transcendência ainda que o tijolinho que eu ajudei a pagar hoje só resulte num produto digno de nota daqui a mil anos. Tudo que pensei sobre a arte sacra não é fruto de um sentimento nostálgico que comumente faz com que as coisas de outras épocas sejam melhores que as atuais. O fato é que poucas paróquias aqui de Brasília, para dar um exemplo de cidade moderna, vão durar cem anos para testemunhar fé ou qualquer coisa se é que pensaram em testemunhar algo ao construí-las. Penso nesse assunto com toda a humildade e predisposição para aprender que nós, como seres humanos, já fomos capazes de fazer mais e de ir mais além na arte devotada a Deus. Tudo isso me ensina sobretudo que a sociedade da informação com sua velocidade e ansiedade características não trouxe sempre resultados positivos, especialmente no âmbito da religião.

Orando com Arte – Obra #2

Postado por Vinícius Farias em 19/08/2012
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Quando eu me propus a analisar/meditar sobre determinadas obras de arte, pensei inicialmente em obras de igreja – ou seja – obras produzidas especificamente com a finalidade de adornar um templ0 religioso. Porém, eu percebi que deixaríamos assim de meditar sobre muitas obras de arte importantes como é o caso das obras de Rembrandt e de Hogarth – pintores protestantes cujos legados são importantíssimos para a arte cristã. Por isso, escolhi justamente a obra do pintor inglês William Hogarth, que no século XVIII desenvolveu uma série de pinturas moralizadoras exaltando as virtudes e demonstrando os malefícios de uma vida de pecado. Essas pinturas foram conhecidas pela série de pinturas sob o título A vida de um libertino (Rake’s progress).

A pintura que resolvi analisar hoje se chama “O libertino em Bedlam”, de Hogarth. Esse pintor sabia que a sociedade inglesa, dominada pelo puritanismo rejeitava todas a representação admirada nos países católicos. Por essa razão não podia usar a vida dos santos como exemplo moral. A saída, portanto foi usar elementos simples e organizar situações passíveis de ocorrem no dia-a-dia. Para tanto, abusou da tradição clássica de distribuir as figuras no quadro de modo a criar uma composição com pesos e contrapesos com a finalidade de criar uma obra equilibrada para quem vê.

Os dois pontos de interesse no quadro é o grupo do libertino na parte de baixo e o das mulheres na parte superior. Ao analisarmos a situação do libertino, caído, seminu e acorrentado, não há como não lembrarmos da parábola do Filho Pródigo. Talvez  o paralelo entre as duas situações seja evidente pelo versículo 14, do capítulo 15 de Lucas: ”Depois de ter consumido tudo, sobreveio àquele país uma grande fome, e ele começou a passar necessidade”. A necessidade é aquela situação em que comumente consideramos o fundo do poço. Quando pensamos no libertino de Hogarth, poderíamos imaginá-lo como  filho de um rico nobre inglês com tudo: fama, título, poder, dinheiro, etc., numa vida anterior não muito distante da que vemos representada. Ele olha para o chão, incapaz de encarar as pessoas que um dia o conheceram tão bem. Perto dele estão a criada e um parente, que choram diante da triste realidade que lhes é apresentada. Cada um deles deve pensar: “O que você fez da sua vida, fulano?”, mas por outro lado a presença deles ali nos remete ao pai misericordioso da mesma parábola que não abandona o filho mesmo nas situações mais adversas.

O grupo das senhoras parece refletir a triste sociedade que julga pelas aparências. Ambas devem ter conhecido o libertino em seus dias de glória e diante da situação de desgraça vêm como corvos rondar as misérias da guerra. Enquanto uma olha para o libertino com certo deboche, a companheira achega-se para fazer um comentário malicioso sobre o drama em questão. O destaque dado a essas mulheres poderia representar muitas coisas. A análise mais evidente seria: enquanto o libertino representa os vícios, as mulheres de classe representariam as virtudes, por dignarem-se visitar os doentes num hospício. Mas não. A atitude delas representa justamente o contrário: a hipocrisia daqueles que acham-se mais salvos, melhores que o outro. São duas realidades muito parecidas, apesar de aos olhos do mundo parecerem tão opostas. Ambos os grupos se apresentam numa situação de pecado. A diferença é que um está no corpo, a outra está na alma.

A pintura apresenta ainda muitos outros personagens. Na primeira cela há a figura de um religioso fanático. A presença da cruz  desenhada na parede e a posição das mãos revelam uma piedade exagerada que se tornou pietismo, ou seja, a vivência de uma espiritualidade deformada que ignora tudo o que puder fugir de sua própria visão estreita da religiosidade. É aquele tipo de religioso radical que vive numa bolha e quer levar todo mundo para dentro dela. Há ainda a figura do megalomaníaco com cetro e coroa na segunda cela  e um grupo muito inusitado perto da escada: o louco com o livro na cabeça tocando violino, o outro com objetos que imitam as insígnias episcopais e por fim um indivíduo que assim como o libertino parece refletir sobre a situação em que vive, ou mesm0 – 0 que é muito pior – num estado de total irreflexão. O anão no meio da composição é como um maestro a reger os dramas individuais do hospício de Bedlam. Talvez seja justamente essa a situação daqueles que ignoram a presença e o auxílio de Deus em suas vidas. Como num hospício de loucos todos vivem como se estivessem certos tendo o inimigo de Deus como sutil maestro a reger a loucura geral.

Dados técnicos:

Vida de um libertino: o libertino em Bedlam
Michelangelo Merisi da Caravaggio, 1600.
Óleo sobre tela, 62,5 x 75 cm.
Sr. Joane’s Museum, Londres.

A medida de um gênio: 500 anos da Capela Sistina

Postado por Vinícius Farias em 12/08/2012
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Na primavera de 1509, apenas dois anos depois de um cartógrafo cunhar o nome “América” em homenagem ao explorador Amerigo Vespucci, um conterrâneo seu, chamado Buonarotti estava começando a trabalhar em uma das mais importantes obras primas da civilização ocidental. Seu nome – Michelangelo – também reverberaria pelos séculos vindouros. E, como muitas das primeiras viagens transatlânticas do descobrimento, seus afrescos no teto da Capela Sistina em Roma também tiveram um péssimo começo

“Ele estava trabalhando nas maiores pinturas do teto quando o próprio gesso fresco fora atacado por certo tipo de mofo surgido do cal, o que equivale a uma grande colônia de fungos”, disse Andrew Graham-Dixon, chefe de crítica artística do Sunday Telegraph, de Londres. “Então ele teve que voltar à estaca zero e recomeçar tudo de novo. Às vezes o trabalho andava. Aí ele ficava mais tranquilo”.

Apesar das condições adversas e até mesmo do desafio que era pintar a uma altura de quase vinte metros, era preciso um talento considerável. Sem falar no desafio de construir  as estruturas de andaimes e plataformas afixados por buracos nas paredes especialmente abertos para essa função. Ainda assim na época Michelangelo revelou o trabalho em 1512. Ele teve sucesso ao criar um trabalho de um gênio transcendente, o qual continua a atrair milhões de peregrinos e turistas à Cidade do Vaticano a cada ano. A Capela Sistina desempenha um papel central na cristandade como capela privada do papa e sede do conclave, onde o colégio de cardeais reúne-se para eleger os papas. Porém, graças a Michelangelo, o significado dessa capela se estende a todos os que sentem-se inspirados pela sua originalidade e pelo seu visionarismo. Essa obra, direta ou indiretamente, por meio de sua influenciou de certa forma os artistas subsequentes e a iconografia da cultura mundial.

Graham-Dixon estudou a fundo as pinturas da Capela Sistina por algum tempo e escreveu suas conclusões no livro Michelangelo and the Sistine Chapel, para  leitores em geral. Este livro foi publicado para coincidir com o 500º aniversário de conclusão das pinturas da Capela. Na medida em que ele buscava detalhes, mais e mais motivos ele encontrava para admirar e ponderar sobre a obra.

Pegue, por exemplo, A criação de Adão, com a sua retratação do dedo de Deus apontado para tocar do dedo de Adão, sem dúvida alguma o detalhe mais famoso de todos. É impressionante quantas vezes ele já foi reproduzido e copiado. Basta lembrar-se do conhecidíssimo poster do filme E.T.

“Ainda assim eu me questionava: por que Michelangelo pensaria que Deus criou Adão com um dedo?”, disse Graham-Dixon. “Em outras representações como as portas de Ghiberti em Florença, Deus ergue Adão com um gesto de sua mão. Depois de ter passado por diversas ideais e teorias, comecei a ver isso como  a Criação da Educação de Adão, pois esse é o simbolismo do dedo. Deus escreve em nós com seu dedo em algumas tradições da teologia. Na tradição judaica,  essa é a forma com que Deus escreve as tábuas dos Dez Mandamentos dadas a Moisés – Ele como que inscreve nelas com um laser que sai dos dedos. O dedo é o condutor pelo qual a inteligência de Deus, suas ideias, sua moral são transmitidas ao homem. E se você olhar para aquela pintura atentamente, você verá que Deus não olha para Adão. Ele olha para o próprio dedo, como que para canalizar suas próprias instruções e pensamentos por meio daquele dedo”.

O livro de Graham-Dixon também leva em consideração várias controvérsias e mitos relacionados à Capela Sistina como a que diz que Michelangelo pintara o teto da Capela deitado de costas. Essa é a forma como ele é retratado no filme de Holywood “A agonia e o êxtase”, de 1965,  baseado no romance histórico de Irving Stone. “Na verdade Michelangelo pintava em pé”, diz Graham-Dixon, mas tinha que entortar seu pescoço num ângulo horrível por quase quatro anos. Isso causou nele dolorosos espasmos, cãibras e dores de cabeças. “Minha barba na direção do Paraíso, eu sinto como se a ponta traseira do meu cérebro tocasse meu pescoço”, escreveu ele num poema satírico para um amigo. “O meu lombo já penetrou a minha pança…Eu não estou em um bom lugar e eu não sou nenhum pintor”.

Ele dizia isso literalmente. O Michelangelo de 34 anos já era renomado por estátuas como Davi e Pietà e ele olhava para a Capela Sistina, comissionada a ele pelo papa Júlio II com a máxima desconfiança. Na verdade ele achava que os seus inimigos e rivais tinham orquestrado a ideia para vê-lo cair em desgraça. “Michelangelo sentia que o próprio Deus havia o escolhido para ser escultor”, disse Graham-Dixon, “portanto, ser chamado para pintar – ele não considerava aquilo como uma vocação séria. Pelo contrário, o que ele queria fazer; o que ele havia gastado anos de sua vida se preparando para fazer (chegou a passar oito meses nas montanhas de Carrara com dois homens e um burro), era criar um mausoléu m0numental para júlio II”. Uma tumba muito menor foi completada alguns anos mais tarde…

Por cinco séculos, as pessoas falavam das obras-primas de Michelangelo como se tivessem sido realizadas por uma genialidade sobre-humana. Mas mesmo o temperamento moderno democrático reflexivamente busca o lado humano dos heróis e celebridades, buscam experimentar suas lutas e falibilidades de perto. Graham-Dixon sugere que o busca por uma identificação e conexão não se aplicam em se tratando da Capela Sistina.

“Eu tenho que dizer: isso é sobre-humano”, diz ele. “Eu considero a Capela Sistina uma obra de arte assustadora. Ela não é aceitável nos padrões humanos em muitos sentidos. Ela apresenta a imagem de Deus como um sonho ao qual nós aspiramos. Ela descreve o sonho de unidade com Deus, como aquele de quem fomos expelidos e só podemos voltar a isso com um grande compromisso de oração e trabalho duro. Também há um sentido, que eu acho…na verdade é apenas uma intuição que eu tenho a qual eu não posso justificar, mas eu tenho a intuição de que Michelangelo Michelangelo sentia que estava muito, muito acima das multidões de pessoas normais. E não apenas fisicamente, em cima de sua plataforma, mas moralmente também. Existe, é claro, certa humanidade nisso, mas é uma humanidade do tipo muito, muito densa e esse tipo de humanidade dificilmente se traduz numa bela imagem”.

Talvez não seja uma nela imagem, mas certamente inspira admiração no sentido mais sincero do termo.

Texto: Jamie Katz (Smithsonian)

A Bíblia segundo Salvador Dali

Postado por Vinícius Farias em 21/06/2012
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[ParkWest Gallery] O conjunto artístico A “Biblia Sacra” consiste numa série de 105 litografias feitas com a técnica de mistura de cores por Salvador Dali entre 1963 e 1964. Cada Bíblia foi dividida em cinco volumes ricamente encadernados em couro e contendo 105 pinturas entre os textos. Dr. Giuseppe Albarett, editor da Biblia Sacra, conseguiu que o projeto fosse publicado pela Rizzoli edições, de Mediolani, Itália. Três diferentes edições foram lançadas:

Ad Personam – 99 Bíblias personalizadas para particulares sob encomenda; Bibles personalized for prominent individuals by subscription
Magni Luxus – 199 Bíblias “Deluxe”;
Luxus – 1499 Bíblias;

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Apesar de eu não ser muito fã de Salvador Dali e de artistas surrealistas, confesso que achei a maioria das pinturas bem interessantes. Vale ressaltar aqui que há uma sutil diferença entre arte sacra e arte religiosa (assim como na música). O projeto Biblia Sacra é essencialmente um projeto de arte religiosa. A diferença, na minha opinião está em que uma pintura surrealista de Dali stricto facto nunca deveria adornar uma igreja, diferentemente de um quadro do grande Caravaggio. Ainda que evoque o religioso, pelas características próprias do Surrealismo, só reconhecemos o que contemplamos depois de uma demorada análise. Além disso, o Surrealismo não se trata tanto de beleza quanto de inovação técnica. Os artistas desse movimento gostam de brincar com cores e efeitos, de modo que a sensação visual sobreponha a estética da obra. Se as obras sacras possuem como propósito a retratação de Deus e de seus amigos, todos têm que reconhecer essa intenção logo no primeiro olhar. Fica difícil rezar quando você não tem absoluta certeza de que o artista quis representar Deus e não o diabo, concordam? Não si por que, mas sempre associo esse movimento artístico ao uso de drogas…quanto a isso, tirem suas próprias conclusões.

O mais legal nesse projeto é que todas as pinturas receberam seus títulos em latim e abrangem desde o antigo  ao novo testamento. Confesso ainda que fiquei bem interessado em adquirir um exemplar dessa bíblia. Escolhi dez pinturas do projeto Biblia Sacra para vocês conhecerem algo a respeito aqui no blog. Para ver mais 80 pinturas, basta cllinar no link no final do post:

Ecce homo
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Ecce virgo concipiet (Isaiah 7:14)
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Maria conferens in corde suo (Matthew 1:23)
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Mariae annunciato (Luke 1:26f)
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Noli me tangere (John 20:1)
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Tolle, tolle, crucifige eum (John 19:15)
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Peccatum originis
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Tertia die resurrexit
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Apparuerunt illis dispertitae linguae (Acts 1:14)
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Da mihi bibere (Ecclesiastes 12:1)
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Mais imagens: clique aqui

Os cinco projetos de arquitetura “sacra” mais bizarros do Brasil

Postado por Vinícius Farias em 09/06/2012
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“O artista é hoje em dia um estranho reservatório de valores para-espirituais”.

Marcel Duchamp (1887-1968)

1. Nova Catedral de Belo Horizonte-MG

Projeto: Oscar Niemeyer

Previsão: 2014

Último de um longo legado das trevas deixado por Oscar Niemeyer, o projeto catedral de Belo Horizonte foi inclusive mostrado ao papa na exposição “O esplendor da verdade, a beleza da caridade” (?). Para fazer o simpático na exposição organizada em homenagem aos seus 60 an0s de sacerdócio, 0 papa alemão que conhece muito bem catedrais como a de Colônia teve que dizer: “É muito bom que ainda hoje existam pessoas com coragem para construir igrejas capazes de acolher tanta gente”. Quanto à beleza ele nada disse…

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2. Nova Catedral de Palmas-TO

Projeto: Paulo Henrique Paranhos

Previsão: sem previsão (projeto de 2001)

É sério que isso é um projeto de catedral?  O que um montinho de areia desses tem a ver com uma catedral católica? A cruz? Eu não duvido que um bispo dê continuidade a um projeto como esse, pois, como vimos, a nave alienígena de BH está sendo construída (assim como o balde do Rio e o templo budista de Natal). Mais uma vez eu repito nesse blog: insira-se história da arte sacra no currículo dos seminários, pelo amor de Deus! Beleza não é relativa, pois é reflexo da verdade.

3. Santuário Theotókos-SP

Projeto: Ruy Ohtake

Previsão: final de 2012

Certa vez um papa chamado Bento XVI disse: “…A Igreja precisa se opor às ‘marés’ de modismos e das últimas novidades…”. Não entendo o problema que os padres de hoje têm em olhar para o passado e reproduzir o que de melhor ele nos deu. Preferem sempre navegar por águas desconhecidas como um adolescente “entojado” que quer ser independente e recusa os conselhos paternos. Com capacidade para 100 mil fiéis, 0 santuári0 d0 padre Marcelo promete ser um grande auditório, super confortável e excelente para assistir a uma boa palestra. Assim como a igreja da Santíssima Trindade na Esplanada de Fátima, esse tipo de “igreja” faz-me sentir mal tal qual eu me sentia ao chegar  a um hospital quando criança. Não contará com a minha visita.

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4.Mosteiro de São Bento-DF

Projeto: Paulo Henrique Paranhos

Previsão: sem previsão (projeto de 2004)

Estéril e sem vida, abaixo podemos conferir o projeto do novo mosteiro beneditino de Brasília. Segundo o site do escritório de arquitetura Tao, “a construção da sede definitiva do Mosteiro da Santa Cruz vem atender às necessidades de instalações satisfatórias dos monges beneditinos em Brasília”. A gente fala muito em elefantes brancos nas obras da Copa, mas com um mosteiro desses não sei se essa área toda será realmente satisfatória para o ínfimo número de monges que serão atraídos.

5. Santuário Nossa Senhora da Salete-SC

Projet0: Valdemor Spricigo

Inaugurado no ano passado

Um dos santuários mais famosos do Sul do país, em honra a Nossa Senhora da Salete foi repaginado sob encomenda dos padres saletinos. Segundo o arquiteto, “inspirado na praça de São Pedro, onde toda arcada de colunas é voltada para o centro entaltecendo o capitel”. A igreja, cheia de “chifrinhos” tem capacidade para 500 fiéis. Estranhamente diferente d0 Santuário original nos alpes franceses que apesar de ser bem maior, consegue aliar beleza e  harmonia natural.

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Da pedra dura à obra-prima

Postado por Vinícius Farias em 04/06/2012
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Os Escravos, Michelangelo Buonarroti (1475-1564), Museu do Louvre

Às vezes eu gosto de imaginar-me em galerias de arte. Assim que eu piso nesse tipo de instituição, é como se eu desse um passo rumo a um universo completamente novo. Nesse universo as imaginações de dezenas de artistas diferentes cruzam-se, dialogam e enriquecem-se mutuamente. De um lado está Rafael dizendo que a vida pode ser geometricamente planejada como A escola de Atenas, de outro Tintoretto dizendo que a vida pode ser  tão dramática quanto a sua Última Ceia. Cada pintor, com sua maneira original de ver a vida, atesta um fato inegável: somos especiais, únicos, irrepetíveis.

As galerias desprendem milhões de dólares para adquirir os quadros mais belos, os mais raros, aqueles que mais profundamente tocam os espectadores. Não é à toa que a despeito da crise econômica global o mercado de arte continue aquecido como nunca. Dessa maneira os museus “brigam” de todas as formas para ter mais que variadas e muitas obras. Antes,  brigam para ter as obras-primas, a suma nata artística da humanidade.

Mas será que poderíamos caracterizar uma verdadeira obra-prima? Na minha opinião, em termos bem práticos (deixando talento natural à parte), seria uma combinação de criatividade, técnica e bom senso (aqui exclui-se muitas obras modernistas). A criatividade é responsável pelo ineditismo da obra; a técnica, pelo valor intelectual e o bom senso é como um freio para dosar as duas primeiras caraterísticas e garantir a beleza universal da obra. Claro que essas características são baseadas apenas na minha observação, mas talvez possa fazer certo sentido.

O que chamo de beleza universal é aquela estranha sensação que as grandes obras transmitem segundo a qual o bonito não é relativo. Por exemplo, você pode não gostar do estilo, da técnica, do pintor, mas nunca poderá dizer que o Davi de Michelangelo é uma obra feia, desagradável, insignificante. É como se existisse consensualmente  nessas obras uma espécie de selo similar ao título de Patrimônio da humanidade.

Como é gostoso sentar-se despretensiosamente diante de uma bela pintura e simplesmente admirar….naqueles momentos de meditação eu sou capaz de adquirir as mais diversas personalidades da história: sou o Santo Antão de Bosh com sua determinação em vencer as tentações, sou a corajosa Judite de Caravaggio ou ainda o José de Giotto com seu olhar paterno de A Fuga para o Egito.

De modo semelhante eu penso na Igreja como uma curadora de uma grande galeria de arte. Ela recebeu a missão do Estado (Deus) de reunir em suas galerias as melhores obras-primas da humanidade. Não estou falando da Capela Sistina ou da Basílica de São Pedro. As obras de arte que a Igreja reúne são feitas de homens e mulheres como eu e você. Obras que nos inspiram e nos fazem questionar com o coração cheio: “quem é esse pintor magnífico? Quem é esse gênio?” E temos vontade de conhecer tudo sobre ele. Viramos verdadeiros fãs.

Em suas galerias a Igreja só admite aquelas obras de reconhecida beleza e principalmente autenticamente pintadas por Um conhecido artista. Imaginem só como seria confusa e quão bagunçada seria uma tela pintada por várias mãos… Portanto na galeria da Igreja só entram obras assinadas. Sabe-se que algumas obras lá presentes tiveram que ser totalmente refeitas. Ou seja, o Grande Pintor tudo apagou e tudo refez na tentativa de fazer com que a obra fosse um modelo ótimo a ser reconhecido pela humanidade.

Deus como artista não se contenta com obras inacabadas. Michelangelo levaria uma bronca pelas estátuas do “Dia” e da “Noite” na capela Médici ou por seu Moisés em San Pietro in Vincole. Ele quer ter o prazer de trabalhar cada detalhe. Afinal, Suas obras são para toda a eternidade! Nesse contexto, a Igreja como curadora deve reunir um corpo especializado para fazer com que as obras sejam preservadas, mas sobretudo para garantir que os visitantes louvem a imagem do mais sublime dos artistas.

Por fim, eu diria que o que mais me fascina na arte é a capacidade criativa de cada artista. Eles nunca querem fazer uma obra igual a outra. Mais ainda, alguns artistas afeiçoam-se tanto à suas obras que chamam-nas filhos. Não é diferente nessa analogia Deus-artista-homem-obra. Deus nos ama e quer nos dar um lugar especial nas galerias da Sua Igreja. Porém, a pedra dura demais pode impedir a conclusão da obra. Cada obra-prima da galeria da Igreja deve nos animar a deixarmo-nos moldar constantemente. Deus nos livre de terminar a vida como uma Vitória de  Samotrácia!

Crianças mentalmente debilitadas devem ser batizadas?

Postado por Vinícius Farias em 02/06/2012
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Encontrei post muito interessante no blog do Taylor Marshall tratando de um assunto que nunca tinha pensado: a questão do batismo para pessoas mentalmente incapacitadas. É interessante notar que a Igreja já se preocupava com a inclusão dessas pessoas antes mesmo da oficialização dos Direitos Humanos ou do desenvolvimento da psicologia enquanto ciência. Infelizmente hoje a facilitação do diagnóstico e a aprovação do aborto em alguns países têm levado essas pessoas a serem descartadas da sociedade. No entanto, a Igreja, mesmo contra a maré, afirma que essas pessoas devem ser acolhidas como filhos de Deus pelo batismo. Resolvi traduzir o post na certeza de que vocês vão gostar de saber mais sobre sobre essa questão, principalmente no que se refere ao quadro abaixo:

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Na pintura acima, A adoração do Cristo menino, de um pintor flamengo desconhecido, você pode ver que uma criança com síndrome de down encontra-se ao lado da Virgem Maria adorando o Cristo menino. Esta pintura do século XVI é a mais antiga e clara representação de Síndrome de Down, registrada em pintura mais de três séculos antes da condição ser formalmente definida por John Langdon Down em 1866.

 

A pintura evoca uma questão comum sobre o status de pessoas mentalmente debilitadas e sua relação com a Igreja Católica. Será que as crianças mentalmente debilitadas deveriam ser batizadas? Esta questão foi objeto de debate na Igreja primitiva e foi tópico de interesse durante a Idade Média.

 

Nas Confissões, Santo Agostinho afirmou que as pessoas mentalmente incapazes poderiam e deveriam ser batizadas. Lembrando-se  de um amigo que sofreu um lapso em suas faculdades mentais, ele escreveu: “Ele foi batizado quando desenganado de sua recuperação” (Confissões, 4)

 

São Tomás de Aquino, no século 13, também afirmou que os mentalmente debilitados e as pessoas incapacitadas poderiam ser batizadas. “Alguns são assim desde o nascimento: sem intervalos de lucidez, sem demonstrarem sinais de uso da razão. No que diz respeito a esses, parece que devemos aplicar a mesma decisão tomada para as crianças que são batizadas na Fé da Igreja.”

 

O argumento de S. Tomás foi igual ao de Santo Agostinho. O batismo de crianças é igual tendo em conta que crianças não possuem a habilidade de pedir o batismo. Costumamos batizar crianças quando essas ainda nem atingiram a idade da razão. Tomamos essa decisão convictos de que essas crianças serão corretamente catequizadas e de que abraçarão a fé católica. É nesse ponto, no entanto, que o batismo de pessoas mentalmente debilitadas difere do batismo das outras crianças. Enquanto destas presume-se o crescimento e acolhimento da fé católica, daquelas não se espera que façam o mesmo explicitamente (Obviamente existem inúmeros exemplos de crianças mentalmente debilitadas  e mesmo adultos que não apenas desenvolvem uma rica vida espiritual, como sobressaem-se em virtudes. Algumas até mesmo tornam-se religiosas!)

 

Mais uma vez,  devemos batizar mesmo aqueles bebês que estão morrendo ou em risco de morte, os quais sabemos que não crescerão para abraçar a fé católica. Do mesmo modo é necessário batizar aqueles que não fazem uso das faculdades mentais e que provavelmente nunca farão uso da razão.

 

São Tomás de Aquino faz uma ressalva para o caso daqueles que uma vez estiveram perfeitamente sãos, mas por alguma fatalidade ficaram debilitados: “Por outro lado, se enquanto sãos eles não apresentaram nenhum desejo de receber o batismo, eles não deverão ser batizados”.

 

Eu acrescentaria que as crianças e adultos mentalmente incapazes irã0, com 100% de certeza, para 0 paraíso. Sem uso da razão eles não podem pecar. Tendo sido lavados do pecado original, eles estão perfeitamente prontos para entrarem no Reino dos Céus, preparado por Cristo seu senhor. A pintura acima revela o respeito que os católicos manifestam por essas crianças especiais.

 

Santos inocentes, rogai por nós!

Foto do dia

Postado por Vinícius Farias em 18/05/2012
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Alessandra Ambrósio, Top model brasileira, em ensaio sensual para a Melissa, na  Igreja de Saint Mary Magdaleine, em Londres. Destaque para o confessionário e as imagens sacras.

Na arte sacra, certa vez disse Marc Chagall que ”os pintores mergulharam seus pincéis, durante séculos, no alfabeto de cores que é a Bíblia”. Será que isso não diz nada a quem se propõe a um trabalho desses?

Aprendendo com os árabes

Postado por Vinícius Farias em 08/05/2012
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 Museu de arte islâmica, Catar.

Tenho pensado num projeto interessante para o mestrado e comentei isso com uma colega de trabalho. Ela, muito caridosa, tem reunido muitas reportagens sobre museus virtuais, tema este que me interessa muito.

Ontem ela me passou uma reportagem do Segundo Caderno de doming0 passado (06 de maio) do O Globo sobre os investimentos dos Emirados Árabes e do Catar em arte. A manchete destaca: “Com 28 BILHÕES de dólares, Emirados Árabes e Catar constroem megainstituições de arte para um projeto ambicioso: deslocar para o Oriente Médio o eixo cultural do mundo no século XXI“.

Enfatizo alguns pontos da reportagem:

“Em 135 quilômetros quadrados, as duas potências erguem sete megamuseusao mesmo tempo e investem 28 bilhões na empreitada – cifra 30 vezes mai0r do que a que o Brasil deve gastar com os 12 estádios da Copa do Mundo de 2014.

[...]

“Em Doha, capital do Catar e cidade com maior renda per capita do mundo, o governo abriu três museus em um ano e “importou” profissionais do porte de um ex-CEO da Christie’s. Abu Dabi, a capital dos Emirados, começa a construir numa ilha equivalente a metade da Zona Sul do Rio uma filial do Louvre e outra do Guggenhein.”

Eu gostaria de deixar claro primeiramente que esta é, sem dúvida, uma iniciativa louvável. Investimentos em educação, cultura e arte são sempre demonstração de consciência social e erudição. É algo muito diferente da mentalidade brasileira que, aos trancos e barrancos, luta para construir estádios que quando muito servirão para shows internacionais três vezes ao ano. É como se se pensasse: “mais vale o que eu tenho para mostrar do que eu realmente sou”. Isso é fruto de uma cultura de aparências, que nos coloca no topo do ranking de cirurgias plásticas no mundo.

Como eu disse em outro post, fiquei chocado ao visitar a Pinacoteca de São Paulo e perceber que ainda temos muito a aprender com nossos pais europeus. A  pouca valorização do nosso patrimônio não causa menos indignação que o patriotismo de apenas um tom dos brasileiros, bem expresso na Copa e no Carnaval. É o que eu poderia chamar patriotismo “oba-oba”; vangloriamo-nos das festas, da alegria, do animação do brasileiro, mas não estamos juntos diante de questões dramáticas do cenário político nacional. No que se refere aos museus, na minha infância ainda levaram-me ao Catetinho e ao Museu Museu Postal e Telégrafo  aqui de Brasília, mas tenho certeza de que essa não é uma prática nas escolas aqui do DF. Até porque os museus brasileiros são, em geral, desinteressantes, ultrapassados e pouco dotados em seus acervos. Os professores evitam a fadiga.

Mas deixando essa questão de lado, o que mais me chamou a atenção nessa reportagem foi o fato de que esse investimento em arte por parte dos países muçulmanos não é por acaso. Sempre foi claro no decorrer da história que a maioria dos grandes investimentos em arte, antes de serem fruto da paixão pela beleza, foram tentativas de demonstração de poder. Foi assim na Contra-Reforma, com Napoleão, com os Estados Unidos e agora com os árabes nadando em dinheiro.

É como uma faca de dois gumes: se por um lado valoriza o patrimônio artístico-cultural que acaba por se tornar bem universal, por outro torna-se instrumento de difusão ideológica. Nesse contexto não se trata da dialética opressores versus oprimidos, mas de propaganda ideológico-cultural. Quer-se, portanto vender dois peixes: o islamismo e a pretensão de poder. Esta se refere à seguinte mensagem: “se tenho dinheiro para comprar arte, trema, pois as armas podem vir em seguida”. Quanto ao proselitismo islâmico, é algo realmente inspirador para os cristãos em certos pontos. Existem belas frases que bem expressam essa questão: “a palavra convence, o testemunho arrasta” ou o que disse certa vez Bento XVI: “há que acolher a boa doutrina, mas esta corre o risco de ser desmentida por uma conduta incoerente”. De fato, os muçulmanos não têm medo de falar e defender o que acreditam. As mulheres sentem-se orgulhosas em andar de véu pelas ruas de Paris, os magnatas do Petróleo em investir na Arte de Allah e mesmo as orações diárias ad orientem. Tudo isso pode servir de testemunho para o agir cristão no país dos católicos de IBGE.

Diante da crise mundial que se arrasta desde 2009, bem que o Brasil poderia aproveitar pujança financeira de que Dilma e Lula tanto se vangloriam para financiar projetos museológicos com ao menos um trinta avos do que está sendo investido pelos árabes. O museu da Língua Portuguesa, por exemplo, foi para mim uma grata surpresa que mostra sobretudo que coisas boas podem ser feitas, desde que haja vontade para isso. Infelizmente só acho que a crise da neófila democracia brasileira só vai ter fim quando alguém de bem tomar o poder de forma autoritária e reformar o sistema político. Em outras palavras, aumentando os meios legais para barrar a corrupção, aumentando o poder de polícia dos cidadãos e trabalhando educação política nas escolas. Claro, é tudo meio utópico, mas esse é o meio que vejo para que um dia não falemos de eixos culturais, mas de redes culturais tendo o Brasil como um importante nó.